Miguél Ángel
Michelangelo Buonarroti nace en Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de
febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto,
escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes
artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra
arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia
y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de
Florencia, y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:
Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y
discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo
Buonarroti
La
creación de Adán.
´
Análisis de obra
Obra
de Miguél Ángel, llamada La creación de Adán esa pintura es un fresco en
el techo de la capilla Sixtina en esta pintura se puede observar a Dios está en el aire con una bata de color rosa muy claro,que vuela porque los ángeles le elevan, tiene su brazo izquierdo sobre el cuello de una figura
femenina que tiene rasgos muy finos, se puede decir que a
la mujer que abraza Dios es Eva que aún no es creada.
Está pintura en la parte que esta dios en el manto se forma el cerebro y Dios seria el bulbo raquídeo esto significa que cuando Dios une su mano con la de Adán que se encuentra recostado en una piedra de color amarillenta con azul con sombra dándole así volumen, le transmite la sabiduría y lo hace a su semejanza, el
cuerpo de Adán es hermoso es un hombre fuerte, hermoso, se puede ver como
sobresalen sus músculos, y sus venas porque Miguél Ángel hacia disecciones anatómicas, se encuentra en una posición muy delicada la forma en
las que tiene sus manos, su pierna izquierda recogida le da mas movimiento a
esta pintura.
David
Análisis de la Escultura
Escultura de Miguel Ángel, llamada David, esta obra representa al Rey David esta escultura está elaborada en mármol de
color blanco de 5,17 metro de altura y 5.5 y 72 kilogramos de masa.gEn la
escultura se observa a David como un hombre muy fuerte ya que sobresalen sus muslos
es una escultura de cuerpo entero se puede apreciar que él está tenso listo
para el combate. Su cuerpo está en una posición frontal con un giro hacia la
derecha, la pierna izquierda está más adelante que la derecha, su brazo
izquierdo esta hacia arriba girando un poco tocando su barbilla, en cambio el
brazo derecho esta deforma atura hacia abajo dejándose caer mientras toca uno de
sus músculos, su troco tiene un ligero giro y da la impresión que tiene más movimiento
la cabeza está como que observando al lado izquierdo, tiene la mirada fija y es
muy serio fuerte mientras también emite delicadeza y belleza. Él está muy concentrado
Leonardo da Vinci
Un pintor italiano nativo
de Florencia. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista,
arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo,
ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril
de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado
de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.
Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre
pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia
fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a
continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en
Francia, por invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Este artista pintaba temas
religiosos, retratos, estudios de la naturaleza botánicos y anatómicos.
La última cena
Análisis de obra
Obra de Leonardo da Vinci La última
cena. Esta pintura no es un fresco
tradicional mural sino es ejecutado al temple y óleo está pintado sobre dos capas de yeso en el muro la pintura es rectangular por jerarquía se
puede observar que Jesús está en el cetro por las expresiones de los doce
discípulos están unos asustados otros confundidos otros se acercan más y uno se
alea un poco no se mueve mucho en este cuadro podemos observar como todos estas
comentado de algo algunos al oído otros se paran se ve preocupación en su
rostro se les ve a los doce discípulos los pies debajo de la
mesa pero no se ve los pies de Jesús ya que está cubierto por un cubo blanco en
la parte Fontal del mesa. La pintura es muy colorida la parte del cuadro tiene
una perspectiva que le da espacio y profundidad a la habitación donde se
encuentran en la paredes se ve una
puertas grandes de color café, en la parte de las ventanas se ve montañas y una
claridad que entra por ellas las nubes blancas. En la parte del techo se ve unos
cuadrados que tiene luz y sombra dando así el efecto de tercera dimensión se ven como volumen.
La Gioconda
Análisis de obra
Obra de Leonado Da Vinci es también
conocida como La Mona Lisa. Esta pintura es un óleo sobre la tabla del álamo,
la técnica fue compleja primero se dibujó en el cuadro y después se aplicó el
óleo diluido en aceite es una técnica conocida como sfumato en italiano es para presidir los contornos netos así formando
una niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total
en la atmosfera dándole así la impresión que la pintura está en tercera dimensión.
En la pintura se puede observar a una mujer sentada unas un vestido negro que
tiene un poco de sombre y luz dándole así una expresión de arrugas a la ropa,
sus manos están un poco cruzadas la mano derecha está sobre la izquierda con
los dedos separados en la posición que se encuentra transmite serenidad, es muy
fácil observar que la piel de esta mujer es muy joven y bella y lo más
llamativo de este cuadro en si es ella que está en primer plano de forma frontal,
sus ojos de color cafés claros que se ve ahí el esfumado y el juego con la luz
y sombra que le da volumen de color cafés claros que llaman mucho la atención
del espectador . En segundo plano esta un paisaje que al lado izquierdo tiene
una carretera y al fondo se observan los arboles verdes con un esfumado notable
y en el lado derecho hay un gran espacio de terreno recto. El rostro de la Mona
Lisa no tiene muchas cejas y pestanas siendo así su rostro más ambiguo, la sonrisa
de la Mona Lisa como que un poco forzada pero alegre a la vez. En sus cabellos
castaños ondulados en las puntas lleva un velo que en ese tiempo era signo de
castidad.
Rafael
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de
1520), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael. fue
un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor
pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes
aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el
estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período
Las Gracias
ç
Análisis de la obra
Esta obra es de Rafael está pintada
sobre una tabla, las gracias están desnudas que transmiten pureza, son 3 cuerpos femeninos
esbeltos, las tres están juntas, la mujer que esta ene l medio esta de espaldas
y tiene un su brazo izquierdo sobre el hombro de la mujer del lado izquierdo y
se le ve de perfil su rostro y las dos mujeres de los lados están de frente,
inclinando su cabeza un poco a cada lado cada una tienen las tres una manzana
en la mano la mujer del medio y la mujer del lado derecho tiene un collar
dorado con una perla de color verde tienen de fondo un pasaje desértico sin muchos árboles y se
puede ver el cielo azul con blanco
La escuela de
Atenas
Análisis de la obra
Obra de Rafael esta es una decoración con
frescos, está ubicada en el Vaticano, aquí se encuentran filósofos clásicos, científicos,
matemáticos más importantes de la época clásica, hay perspectiva. Al final de
se puede observar las personas en el centro de la composición de la pintura que son Apolo y Atenea son más
grandes que las demás personas en esta pintura, se puede ver a Plato
sosteniendo el Tomeo, señala el cielo, Aristóteles sostiene una copia de su Ética o Nicómacoseve
y el señala la tierra, ambos discuten,
se observa lo gestos.
Están divididos en dos grupos en la derecha e izquierda y se encuentran
conversando unos con otros unos sentados y otro parados, la perspectiva en muy
clara se puede observar fácilmente en los arcos que en la parte de arriba tienen
perforaciones, donde el artista jugo con sombra dándole profundidad.
Donato Donatello
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id.,
1466) Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de
los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del
Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado
técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos
desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular
sentido del movimiento.
David de bronce
Análisis de la escultura
Esta escultura es de Donato Donatello es una escultura
elaborada de bronce es clásico debido a su desnudes es un tema bíblico esta
escultura tiene perspectiva, es una escultura frontal, en la escultura se
observa una retorno a la imitación d la figura, David esta con la mano derecha
en la cintura con la mano echo puño, se nota un poco afligido tiene un
sombrero, su cuerpo es un poco femenino, no tiene músculos, en la mano izquierda
tiene una espada, está parado con la pierna derecha un puco levantada la tiene
en punta. Es muy llamativa y brillante ya sea por el material mismo del que está
elaborado.
María Magdalena penitente
Análisis de la Escultura
Escultura de Donato Donatello fue realizada en madera
policromada, Donato hizo la escultura de una mujer adulta que se nota triste,
demacrada, tiene una prenda que es un vestido viejo esta descalza sombre una
roca, es una mujer delgada, cansada, agobiada su cara es muy huesuda se ven sus
pómulos demostrando su desnutrición. Su ca esta semiabierta. Todas estas características
llaman mucho la atención del espectador. Porque se ve que esta mujer sufre. Esta
pintura es de sentido religioso
Rafael
Sandro Botticelli
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de
marzo de 1445[1] – Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli,
fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este
movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio
Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente
encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo
recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado
representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El
nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras
florentinas más conocidas
Nacimiento
de venus
Análisis de obra
Esta obra fue de Rafael Sandro Botticelli llamada el
Nacimiento de venus esta pintura esta echa sobre lienzo es una pintura
mitológica. Es claramente que está presente el agua el aire y la tierra.
Primer plano esta la venus en una cocha grande.
Esta justo en el centro en la parte derecha de la
pintura esta una pareja el tiene a la mujer en sus brazos y están volando
al lado izquierdo esta una mujer con un vestido largo y una manta de color
rosado como queriendo cubre a la Venus que está de pie desnuda cubriéndose el
cuerpo con su largo cabello rubio. En segundo plano está el mar se puede ver
cómo está el azul con blanco y están volando las aves ene l mar, al lado
izquierdo hay árboles..
Mapa del Infierno
Análisis de la obra
Esta es una pintura de Sandro Botticelli, es similar
a la del libro “La divina comedia” de Dante. En primer plano está el mapa del
infierno que es una copa justo es el
centro de la pintura que en la parte superior es verde como que fuera la
tierra donde Dante se encuentra perdido en una colina “en el camino medio e
nuestra vida” detrás de la colina se encuentra la ciudad de Jerusalén debajo de
la cual se imagina cavada la inmensa división del infierno y sigue hacia abajo
como como las separaciones circulares que son nueve correspondientes para cada pecados, basándose
en el pensamiento aristotélico-tomistico, este mapa empieza de una forma
grande y termina en punta que está recubierta por una pequeña base de vidrio.
Esta obra significa la maldad del mundo y lo en el pasado
se creía que tenían que sufrir para pagar sus culpas.
Esta obra tiene los pecados existentes en el mundo que
hacen que nos alejemos del buen camino y también de Dios
El Bosco
Jeroen van Aeken o Van Aken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch , 9 de agosto de 1516), fue un pintor nerlandes
Sus cuadros están protagonizados por la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo de ello son las tablas con la Pasión de Cristoa través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar del pecado universal al género humano. Su estilo cambia en los últimos años de su actividad, pintando cuadros con un menor número de figuras, pero de mayor tamaño, que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador.
Adoración de los reyes magos
Análisis de la obra.
Esta obra es del autor El Bosco se encuentra en el Museo del
Prado, Madrid –España es de estilo Gótico es un
Óleo sobre
El centro de la pintura esta constituida por el porque
divide al pesebre que es la figura principal de la ciudad. Esta pintura se
divide en tres partes tiene un fondo dorado que es el camino y mayoría de vegetación del cuadro es el fondo
común de las tres divisiones de la pintura . A la izquierda esta el donante. En
segundo plano aparece un hombre sentado sobre una cesta y protegido bajo un
precario tejadillo, seca sus ropas al fuego, se trata de José intentando secar
los pañales del niño.
En la tabla central está la adoración de los Reyes
Magos. Fuera de una cabaña que está muy vieja apunto e caerse precaria se sienta
la Virgen, Melchor está arrodillado ante ellos, y ha puesto su regalo sobre la
tierra. Gaspar sobre la esclavina que viste aparece la visita de la reina de
Saba a Salomón. Al final , Baltasar, lleva en la mano
un cáliz esférico. Esta pintura tiene sobras que le dan movimiento a
la pintura y profundidad al fono en la parte superior de la pintura se puede
observar unas viviendas grandes que son palacios. Esta pintura es muy sencilla pero hermosa y dulce,
menos es más.
Las Tentaciones de san Antonio
Esta obra es de El Bosco se encuentra en el museo de Prado
en Madrid España es de estilo gótico es un óleo sobre tabla en el centro de la
pintura está San Antonio sentado jorobado
está cubierto de una manta de color café que esta vieja él tiene una impresión de
que esta pensativo meditando pero son
los demonios que lo rodean con las tentaciones simbolizadas de muchas maneras:
el cuchillo mellado, escalas, el jarro diablo, piezas de armadura, pequeños
demonios-grillos a su lado izquierdo esta un cerdo acostado, el mira un arroyo del que surgen también figuras
demoníacas en un segundo plano hay una casa un poco alejada con el techo azul y
en la parte superior de la pintura a lo lejos donde está el cielo celeste que
tiene una vegetación alta están unas casas más altas. Esta pintura indica que
las personas son débiles ante las tentaciones.
Masaccio
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio,
nació en San Giovanni el 21 de diciembre de 1401 y falleció en Roma en otoño de
1428, fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida,
su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura:
generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes
de la perspectiva científica (desarrolladas por Brunelleschi)
San Pedro cura a los enfermos con su sombra
Análisis de la obra.
Esta obra de Masaccio se encuentra en Santa María del
Carmine, Florencia en Italia. Esta pintura pertenece al renacimiento es un
fresco , el centro de la pintura está constituido por San Pedro, se puede
visualizar colores más tenues a lado derecho y colores más fuertes al lado
izquierdo.
Presenta el momento recogido en los Hechos de los Apóstoles-
en el que San Pedro Sana a los tullidos con su sombra. Sin embargo, el
paramento almohadillado del palacio del primer plano recuerda al Palazzo Pitti
realizado por Brunelleschi. La perspectiva resulta la gran protagonista de la
composición, interesado Masaccio en trasmitir la sensación de profundidad. Las
figuras gozan de una monumentalidad escultórica y de una expresividad que serán
admiradas por artistas futuros como Piero della Francesca. Se han identificado
algunos personajes como el hombre del turbante rojo Masolino, el anciano de
barba blanca -Donatello- o el san Juan, Giovanni, el hermano del pintor,
apodado "Scheggia".La pintura se representa el poder que tiene el Señor,
Jesús y los discípulos ya que en la parte que ya ha pasado San Pedro se puede observar
la pintura más limpia y la parte que aún no pasa no es como limpia se puede ver que los enfermos solo están en
la parte izquierda de la pintura.
La expulsión de Adán y Eva del paraíso
Análisis de la obra.
Esta obra es de Masaccio se encuentra en Santa María del Carmine, Florencia en Italia está
pintura pertenece al renacimiento es un fresco.
En la pintura en primer plano esta Adán y Eva que como se
puede observar en la pintura sus rostros son sufrimiento. Ellos dos son el eje de esta pintura La
escena está cargada de dramatismo, destacando los rostros de ambos personajes y
la actitud de Adán al llevarse las manos a la cara, así como la dureza y
sequedad del paisaje por donde se encaminan las figuras. Sus cuerpos desnudos
están inspirados en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello,
interesándose por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la
iluminación empleada. El fondo azulado se aleja de la capa de pan de oro que
servía de cierre en los tiempos góticos
Aunque la escena está basada en el relato bíblico del
Génesis, el artista se ha permitido algunas licencias más personales que dotan
a la obra de dramatismo y vigorosidad, así Masaccio decide representar a Adán y
Eva completamente desnudos y expulsados por un solo ángel.
La figura de Eva aparece tapándose el pecho y el sexo
mientras en su rostro se aprecia un grito descarnado de dolor y agonía. Adán
por su parte se lleva las manos al rostro mientras muestra su desnudez y con
una profunda inspiración mete su vientre en una postura igual de agonizante.
Sobre ellos un ángel amenazador vestido de rojo y con la espada en la mano
custodia la entrada al paraíso. En la pintura se ve el dolor y sufrimiento de
ambos al ser expulsados del paraíso por haber cometido el pecado original
Greco
Doménikos Theotokópoulos conocido como el Greco ("el
griego"), nació en Candía en 1541 y falleció en Toledo en 1614, fue un
pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus
obras de madurez.
Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos
culturales muy distintos: su primera formación aspectos de su estilo que
florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del
alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su
gama de colores, él siempre se consideró parte de la escuela veneciana; por
último,su estancia en Roma le en su estancia en Roma le permitió conocer
las obra de Miguel Ángel y el manifestó.
Anunciación
Análisis de la obra.
Esta obra es del el pintor El Greco se encuentra en
el Museo el Prado en Madri es de estilo del renacimiento, manierismo es un Óleo
sobre lienzo. La pintura esta constituida por el ángel anunciando a
María, y su eje es horizontal para tener dos partes en la pintura: la
primera estando María y el ángel y la segunda
estando ángeles más pequeños y
la iluminación divina. El arcángel san Gabriel posa los pies en un
suelo embaldosado, herencia del Renacimiento italiano. La Virgen María aparece
sin sus elementos simbólicos. En la parte superior del cuadro se encuentra un
gran foco de luz y al Espíritu Santo bajando en forma de paloma. La pintura es
de la anunciación el Ángel diciéndole a María que va ase mare de Jesús el hijo
de Dios, se pues ver el miedo de María es muy normal ya que ella estaba a punto
e casarse y en ese tiempo eso no era bien visto
Cristo en la Cruz con las dos Marías y San Juan
Análisis de la obra.
Es una pintura de el Greco se encuentra en la Galería
Nacional, Ateneas en Grecia es de estilo renacimiento es un Óleo sobre lienzo.
La pintura está conformada en la parte superior de la cruz donde se encuentra
Cristo crucificado. Existe un eje horizontal, en la parte
superior Jesucristo y en la inferior la Virgen María, María
Magdalena y San Juan.
Esta obra se situaba en el espacio central del retablo. La
escena está estructurada a base de dos triángulos en los que se insertan las
figuras. Jesús en la cruz es el eje de simetría; a su derecha se encuentran la
Virgen María y a la izquierda san Juan Evangelista. Tres ángeles completan la
escena recogiendo la sangre que emana de las heridas del Crucificado.
Análisis personal:
Análisis personal:
La pintura muestra a Cristo muerto en la cruz y a sus pies a
la Virgen María, María Magdalena y a San Juan sufriendo por la muerte de Jesús.
Su pintura se encuentra con colores claros solo el vestuario de María se
encuentra con un color oscuro.
