TAJ MAJAL

TAJ MAJAL

El TAJ MAHAL se encuentra en la cuidad de Agra en el estado de Uttar Pradesh en la India a orillas del río Yamuna. Tiene una altura de 73 metros, funciona como Mausoleo.

Los Arquitectos fueron Ustad Ahmad Lahouri y Ustad Isa.

Análisis

Su origen viene de el emperador Sha Jahan que lo hace en honor a su difunta esposa (Mumtaz Mahal) de ahí parte del complemento de su nombre, como ofrenda póstuma. Los detalles de Ta Mahal muestran su naturaleza romántica y el conjunto de alarde de una estética espléndida.

El diseño: los elementos formales y decorativos son empleados repetidamente y consistentemente en todo el complejo, unificando el vocabulario estético. Las principales ccaracterísticasdel mausoleo se reflejan en el resto de las construcciones 

• Finil es el remate ornamentado de las cúpulas, usando también en las pagoda asiáticas.
• La decoracción del loto es el esquema de la flor de loto esculpida en las cúpulas.
• Cúpula acebollada es tambien llamada "amrud", típica de la arquitectura de Islam, y que sería usada más tarde en Rusia.
• El Tambor es la base  cilíndrica de la cúpula ya que sirve de apoyo y transición foral sobre el basamento del edificio.
• La Guldasta es la aguja decorativas fijada al borde de los muros portantes 
• Chattri es el kiosco de columnas y cúpula, también utilizando en forma aislada o exenta como monumento conmemorativo.
• Cenefas: Paneles de cierre sobre arquerías
• Caligrafía es la escritura estilizada de versos de Coral sobre las arcadas de versos.

Este lugar incorpora y amplía las tradiciones edilicias del Islam, Persa India y de la arquitectura Mogol antigua tambien hubo una influencia francesa en los acabaos interiores. El diseño general se inspira en una serie de edificios timuries y mongoles, entre los cuales se encuentran el Gur e Amir (tumba de Tamerlan), la timba de ITmad-U-Daulah y Jama Masjil en Delhi. Bajo le mecenazgo de Sha Jahan, la arquitectura mogol alcanzó nuevos niveles de rerefinaento. Antes de Taj Mahal era habitual edificar con piedra arenisca roja, pero el emperador promovió el uso de mármol blanco con incrustaciones de piedras semipreciosas.

El conjunto del Taj Mahal tiene su principal perpendicular a la ribera del río Yamura. En la imagen se señala sus partes principales. En el centro, los amplios jardines divididos en cuadros se organizan mediante la cruz formada por los canales. La superficie del agua refleja los edificios, produciendo un efecto adicional de simetría. Cada sección del jardín está dividida por senderos en dieciséis canteros de flores, con un estanque central de mármol a medio camino entre la entrada y el mausoleo, que devuelve la imagen reflejada del edificio.

El Charbagh, el gran jardín central, fue introducido en la India por Babur, el primer emperador mogol, según un diseño inspirado en la tradición persa con el fin de representar a los jardines del paiso. En los textos místicos del Islam en el período mogol se describe al paraíso como un jardín ideal, pleno de abundancia. El agua juega un rol clave en estas descricio, ya que señala cuatro ríos que surgen de una fuente central, constituida por montañas, que separan el edén en cuatro partes según los  puntos cardinales.

El trazado de los jardines y sus características arquitectónicas principales, como las senderos de mármol y de ladrillo, los canteros lineales del mismo material (similares al jardín de Shalimar)sugieren que pueden haber sido diseñadores por el mismo ingeniero, Ali Mardan. Las descripciones más antiguas delo jardín mencionan su profusa vegetación, con abundancia de rosales, narcisos y árboles frutales. Con la declinación del imperio mogol también decrece el mantenimiento, y cuando los británicos asumen el control del Taj Mahal, introducen modificaciones paisajistas  para reflejar mejor el estilo de los jardines de Londres. Los visitantes pueden todavía asombrarse viendo a los jardineros cortar el césped mediante una segadora tirada por bueyes.

Edificio

El complejo está limitado por tres lados por un muro almenado de piedra roja. El límite del cuarto lado lo forma el mismo río Yamuna. Extramuros hay varios mausoleos secundarios, incluyendo los de las demás viudas de Shah Jahan y el del sirviente favorito de Mumtaz. Estos edificios, construidos principalmente con piedra arenisca, son típicos de las tumbas mogoles de la época. Del lado interior los muros se completan con una columnata con arcos, característica común de los templos hindúes incorporad luego a las mezquitas mogoles. A distancias fijas se incluyen chattris y otras pequeñas construcciones que pueden haber sido utilizadas como miradores, incluyendo a la que actualmente se conoce como "Casa de música", utilizada como museo.

La construcción

La edificación empezó a construirse hacia 1632, según los planos de un consejo de arquitectos procedentes de India, Persia y Asia central, aunque parece  que el auténtico inspirador fue el propio emperador. Trabajaron en su realización más de 20.000 obreros; las obras del mausoleo concluyeron en 1643 y las de las dependencias adjuntas en 1649. En total, el proyecto ocupó veintidós años y costó cuarenta millones de rupias. Se conocen los nombres de algunos de los maestros que participaron en la empresa: el turco Ismail Afandi, que diseñó las cúpulas; Qazim Khan, de Lahore; Chíranji Lal, de Delhi, que se encargó de los mosaicos; el cantero Amir Ah, de Beluchistán; Amanta Khan, de Shiraz (Persia), insigne calígrafo. El maestro de obras fue el turco Listad Isa; la leyenda cuenta que, cuando el edificio estuvo acabado, Jehan ordenó cortar su mano para impedir que pudiese repetir una’ obra semejante. En los escritos de un misionero portugués de la época parece aludirse a la posible intervención de un artista italiano, Jerónimo Veroneo. Aunque efectivamente vivió en Agra durante esos años, nada parece apoyar de forma seria esta hipótesis.

La entrada

El recinto está flanqueado al norte y al sur por dos sectores oblongos más pequeños: en el meridional se alza una puerta de piedra arenisca que da entrada al complejo y algunos edificios auxiliares de finalidad incierta; en el septentrional, paralelo al cauce del Yamuna, se levanta el mausoleo. El emperador accedía al lugar por el río, en barca, junto con su séquito. Los demás visitantes debían entrar por un gran patio, en el lado sur, donde se daba la limosna a los pobres y donde, en cada aniversario de la muerte de Muntaz, se distribuían enormes sumas de dinero entre los menos favorecidos. En el mundo musulmán, estas puertas también tenían un fuerte simbolismo, pues representaban la entrada al paraíso: desde el punto de vista metafísico, eran consideradas el punto de transición entre el mundo exterior de los sentidos y el mundo interior del espíritu

El complejo, alineado de norte a sur, tiene una planta rectangular de 580 m de largo por 305 de ancho. En el centro ‘del rectángulo se sitúa un jardín cuadrado de 300 m, cuyo eje principal se extiende de sur a norte, desde la puerta hasta el mausoleo. Con una extensión de 6,9 hectáreas, fue proyectado como representación del paraíso terrenal, al estilo de los jardines persas introducidos en la India por Babur, el primer emperador mogol. Originalmente contenían multitud de flores y árboles exóticos, todo: ellos en disposición geométrica y perfectamente simétrica: los jardineros trabajaron con el empeño consciente de traducir la perfección celeste a términos terrenales, siguiendo una serie de fórmulas bien conocidas. Así, el cuatro, número sagrado en e Islam, fue la base de todo el diseño.

Los canales, símbolo de los cuatro ríos del paraíso (de los que, según la tradición, manaba agua, leche, vino y miel), con fuentes y flanqueados de cipreses (que, además de dar sombra, acentúan las líneas de la perspectiva), se cruzan en el centro formando un estanque de nenúfares en mármol blanco, algo elevado del suelo; símbolo de alKawthar, el estanque celestial de la abundancia mencionado en el Corán, fue concebido para que el mausoleo se reflejara en sus aguas. Cada una de las cuatro partes que delimitan los canales está dividida en dieciséis parterres por caminos de piedra.

En la arquitectura mogol, el agua se utiliza tanto para los rituales de ablución como para humidificar y enfriar el ambiente, una sabía combinación del significado religioso con la necesidad práctica. Se extraía del río y se introducía en unos canales subterráneos desde los que se derivaba para llenar los estanques y regar os jardines.

Mezquita y jawab

El mausoleo propiamente dicho está flanqueado al este y al oeste por dos edificios simétricos idénticos, la mezquita, al oeste y, al este, el correspondiente jawab o «respuesta». Sobre la finalidad de este segundo edificio, se ha supuesto que servía como albergue de peregrinos, lugar de reunión de los fieles antes de la oración; sin embargo, lo más probable es que su propósito último fuera puramente arquitectónico, para dotar de equilibrio estético al conjunto y contribuir a la simetría de las estructuras situadas en la plataforma.

Un alto muro con torres octogonales rodea la sección norte y el jardín central; quedan fuera, por el sur, los establos y estancias para los guardias. En el lado occidental, cerca de la mezquita, se sitúa un pequeño recinto de piedra para recordar el primer lugar donde fueron depositados los restos de Muntaz Mahal.

Mezquita y jawab estaban realizados en arenisca roja, que contrasta con la blancura del mármol de Makrana del mausoleo, elevado sobre un plinto de mármol de siete metros de alto. Un talud de piedra protege al jardín de la erosión del río.

De planta cuadrada, el mausoleo tiene cuatro fachadas idénticas, con esquinas achaflanadas y un impresionante arco de 33 m de alto en cada una de ellas, enmarcado con bandas de caligrafía en relieve. Los artesanos que trazaron estos relieves con versículos del Corán utilizaron un truco óptico, consistente en ir aumentando el tamaño de las letras a medida que aumentaba la distancia, para conseguir que sus dimensiones parecieran idénticas.

Los grandes nichos abovedados están enmarcados con motivos florales (rosas, narcisos, tulipanes), a base de incrustaciones de piedras semipreciosas, cristales minerales y lapislázuli, además de inscripciones en piedra negra. Esta misma decoración se prolonga en el interior en las enjutas de los arcos y en las bóvedas.

La hermosa cúpula bulbosa situada sobre el salón central se levanta sobre un tambor rodeado de cuatro torres octogonales, cada una rematada por un pequeño pabellón cupulado. La estructura interior tiene una altura de 24,4 m y sobre ella se dispone otra cúpula exterior muy peraltada que estiliza el perfil del edificio. El remate externo está constituido por una aguja de latón de 17,1 m de altura.

Debajo de la gran cúpula se halla la sala octogonal del sepulcro, con grandes nichos y puertas que dan acceso a las demás estancias, decoradas con relieves de mármol blanco, igual que los cenotafios de Shah Jehan y Muntaz Mahal; los auténticos sarcófagos ocupan una cripta, al nivel del jardín.

Junto a las cuatro torres octogonales, o chattri, rematadas también con pequeñas cúpulas, se disponen cuatro minaretes, en las esquinas de la plataforma sobre. la que se levanta toda la construcción, que completan la armonía geométrica del conjunto. Estos minaretes tienen una exclusiva función formal, para resaltar la composición central con la cúpula.

El material constructivo es el ladrillo forrado de placas de mármol blanco, cuyo tono cambia según la luz del día, creando una sutil variación que produce una sensación de tranquilidad inmaterial. La decoración geométrica y floral, con incrustaciones de lapislázuli, coral, ámbar y jade, enmarca todos los vanos del edificio y se completa con versículos del Corán incrustados en piedra negra.

Además de impulsar la construcción del Taj Mahal, el sultán Shah Jahan fundó la ciudad de Shajahanabad (Viejo Delhi), ampliando el palacio-fortaleza (1639-48) que alberga la magnífica mezquita de La Perla (1646-54). Los edificios erigidos bajo su reinado dan muestra del poder y vitalidad de las dinastías mogolas.

Declive y restauración

Una vez terminado, el Taj conservó su esplendor hasta el declive del Imperio mogol durante el siglo XVIII, cuando todo el monumento cayó en abandono. Bajo la ocupación inglesa de India en el siglo XIX, el lugar era a veces utilizado para fiestas al aire libre, en las que las bandas militares llenaban con su música el aire nocturno desde las terrazas. Fue en una de esas ocasiones cuando la esposa de un oficial declaró, contemplando el Taj: «Me moriría mañana con tal de tener sobre mí otro igual.»

Otros dos británicos son citados a menudo en relación con el Taj Mahal, por razones buenas y malas. El primero, lord William Bentinck, gobernador general de India (1828-1835), pretendió desmembrar el Taj y embarcar sus pedazos hacia Inglaterra para su subasta. Afortunadamente, el público Victoriano estaba tan poco interesado en una subasta pública de mármol procedente del fuerte de Agrá que el proyecto fue abandonado. En cambio, lord Curzon, virrey de India (1898-1905) fue un dedicado conservador que hizo mucho por la restauración de los monumentos culturales indios, incluida la renovación del Taj, con el fin de que su gloria pudiese ser disfrutada tanto por la posteridad como por su creador.

Tiene un triste final la historia del sha Yahan. Su reinado llegó a su fin en 1658, cuando su intrigante hijo Aurangzeb usurpó el trono y confinó a su padre en el fuerte de Agrá. Durante sus últimos años, hasta su muerte en 1666, el viejo emperador solía contemplar desde los altos muros del fuerte, al otro lado del río Yamuna, la silueta del monumento conmemorativo de su esposa. Finalmente, el sha pudo reunirse con ella, ya que yace a su lado bajo la gran cúpula de mármol.

Renacimiento

Miguél Ángel

Michelangelo Buonarroti  nace en Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:

Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti

La creación de Adán.

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Análisis de obra 

Obra de  Miguél Ángel, llamada La creación de Adán esa pintura es un fresco en el techo de la capilla Sixtina en esta pintura se puede observar a  Dios está en el aire con una bata de color rosa muy claro,que vuela porque los ángeles le elevan, tiene su brazo izquierdo sobre el cuello de una figura femenina que tiene rasgos muy finos, se puede decir que a la mujer que abraza Dios es Eva que aún no es creada.

Está pintura en la parte que esta dios en el manto se forma el cerebro y Dios seria el bulbo raquídeo esto significa que cuando Dios une su mano con la de Adán que se encuentra recostado en una piedra de color amarillenta con azul con sombra dándole así  volumen,  le transmite la sabiduría y lo hace a su semejanza, el cuerpo de Adán es hermoso es un hombre fuerte, hermoso, se puede ver como sobresalen sus músculos, y sus venas porque Miguél Ángel hacia disecciones anatómicas, se encuentra en una posición muy delicada la forma en las que tiene sus manos, su pierna izquierda recogida le da mas movimiento a esta pintura.

David

Análisis de la Escultura

Escultura de  Miguel Ángel, llamada  David, esta obra representa al Rey David  esta escultura está elaborada en mármol de color blanco de  5,17 metro de altura y 5.5 y 72 kilogramos de masa.gEn la escultura se observa a David como un hombre muy fuerte ya que sobresalen sus muslos es una escultura de cuerpo entero se puede apreciar que él está tenso listo para el combate. Su cuerpo está en una posición frontal con un giro hacia la derecha, la pierna izquierda está más adelante que la derecha, su brazo izquierdo esta hacia arriba girando un poco tocando su barbilla, en cambio el brazo derecho esta deforma atura hacia abajo dejándose caer mientras toca uno de sus músculos, su troco tiene un ligero giro y da la impresión que tiene más movimiento la cabeza está como que observando al lado izquierdo, tiene la mirada fija y es muy serio fuerte mientras también emite delicadeza y belleza. Él está muy concentrado  

Leonardo da Vinci

Un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.

Este artista pintaba temas religiosos, retratos, estudios de la naturaleza botánicos y anatómicos.

La última cena

Análisis de obra

Obra de Leonardo da Vinci La última cena. Esta pintura no es un  fresco tradicional mural sino es ejecutado al temple y óleo  está pintado sobre dos capas de  yeso en el muro  la pintura es rectangular por jerarquía se puede observar que Jesús está en el cetro por las expresiones de los doce discípulos están unos asustados otros confundidos otros se acercan más y uno se alea un poco no se mueve mucho en este cuadro podemos observar como todos estas comentado de algo algunos al oído otros se paran se ve preocupación en su rostro  se les ve a  los doce discípulos los pies debajo de la mesa pero no se ve los pies de Jesús ya que está cubierto por un cubo blanco en la parte Fontal del mesa. La pintura es muy colorida la parte del cuadro tiene una perspectiva que le da espacio y profundidad a la habitación donde se encuentran  en la paredes se ve una puertas grandes de color café, en la parte de las ventanas se ve montañas y una claridad que entra por ellas las nubes blancas. En la parte del techo se ve unos cuadrados que tiene luz y sombra dando así el efecto de tercera  dimensión se ven como volumen.

La Gioconda

Análisis de obra

Obra de Leonado Da Vinci es también conocida como La Mona Lisa. Esta pintura es un óleo sobre la tabla del álamo, la técnica fue compleja primero se dibujó en el cuadro y después se aplicó el óleo diluido en aceite es una técnica conocida como sfumato en italiano  es para presidir los contornos netos así formando una niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmosfera dándole así la impresión que la pintura está en tercera dimensión. En la pintura se puede observar a una mujer sentada unas un vestido negro que tiene un poco de sombre y luz dándole así una expresión de arrugas a la ropa, sus manos están un poco cruzadas la mano derecha está sobre la izquierda con los dedos separados en la posición que se encuentra transmite serenidad, es muy fácil observar que la piel de esta mujer es muy joven y bella y lo más llamativo de este cuadro en si es ella que está en primer plano de forma frontal, sus ojos de color cafés claros que se ve ahí el esfumado y el juego con la luz y sombra que le da volumen de color cafés claros que llaman mucho la atención del espectador . En segundo plano esta un paisaje que al lado izquierdo tiene una carretera y al fondo se observan los arboles verdes con un esfumado notable y en el lado derecho hay un gran espacio de terreno recto. El rostro de la Mona Lisa no tiene muchas cejas y pestanas  siendo así su rostro más ambiguo, la sonrisa de la Mona Lisa como que un poco forzada pero alegre a la vez. En sus cabellos castaños ondulados en las puntas lleva un velo que en ese tiempo era signo de castidad.

Rafael

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 1520), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael. fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período

Las Gracias

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Análisis de la obra

Esta obra es de Rafael está pintada sobre una tabla, las gracias están desnudas  que transmiten pureza, son 3 cuerpos femeninos esbeltos, las tres están juntas, la mujer que esta ene l medio esta de espaldas y tiene un su brazo izquierdo sobre el hombro de la mujer del lado izquierdo y se le ve de perfil su rostro y las dos mujeres de los lados están de frente, inclinando su cabeza un poco a cada lado cada una tienen las tres una manzana en la mano la mujer del medio y la mujer del lado derecho tiene un collar dorado con una perla de color verde tienen de fondo  un pasaje desértico sin muchos árboles y se puede ver el cielo azul con blanco

La escuela de Atenas

Análisis de la obra

Obra de Rafael esta es una decoración con frescos, está ubicada en el Vaticano, aquí se encuentran filósofos clásicos, científicos, matemáticos más importantes de la época clásica, hay perspectiva. Al final de se puede observar las personas en el centro de la composición  de la pintura que son Apolo y Atenea son más grandes que las demás personas en esta pintura, se puede ver a Plato sosteniendo el Tomeo, señala el cielo, Aristóteles  sostiene una copia de su Ética o Nicómacoseve  y el señala la tierra, ambos discuten, se observa lo gestos.

Están divididos en dos  grupos en la derecha e izquierda y se encuentran conversando unos con otros unos sentados y otro parados, la perspectiva en muy clara se puede observar fácilmente en los arcos  que en la parte de arriba tienen perforaciones, donde el artista jugo con sombra dándole profundidad.

Donato Donatello

 (Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.

David de bronce

Análisis de la escultura

Esta escultura es de Donato Donatello es una escultura elaborada de bronce es clásico debido a su desnudes es un tema bíblico esta escultura tiene perspectiva, es una escultura frontal, en la escultura se observa una retorno a la imitación d la figura, David esta con la mano derecha en la cintura con la mano echo puño, se nota un poco afligido tiene un sombrero, su cuerpo es un poco femenino, no tiene músculos, en la mano izquierda tiene una espada, está parado con la pierna derecha un puco levantada la tiene en punta. Es muy llamativa y brillante ya sea por el material mismo del que está elaborado.

María Magdalena penitente

Análisis de la Escultura

Escultura de Donato Donatello fue realizada en madera policromada, Donato hizo la escultura de una mujer adulta que se nota triste, demacrada, tiene una prenda que es un vestido viejo esta descalza sombre una roca, es una mujer delgada, cansada, agobiada su cara es muy huesuda se ven sus pómulos demostrando su desnutrición. Su ca esta semiabierta. Todas estas características llaman mucho la atención del espectador. Porque se ve que esta mujer sufre. Esta pintura es de sentido religioso

Rafael Sandro Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445[1] – Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas

Nacimiento de venus

Análisis de obra

Esta obra fue de Rafael Sandro Botticelli llamada el Nacimiento de venus esta pintura esta echa sobre lienzo es una pintura mitológica. Es claramente que está presente el agua el aire y la tierra.  Primer plano esta la venus  en una cocha grande.

Esta justo en el centro en la parte derecha de la  pintura esta una pareja el tiene a la mujer en sus brazos y están volando al lado izquierdo esta una mujer con un vestido largo y una manta de color rosado como queriendo cubre a la Venus que está de pie desnuda cubriéndose el cuerpo con su largo cabello rubio. En segundo plano está el mar se puede ver cómo está el azul con blanco y están volando las aves ene l mar, al lado izquierdo hay árboles..

Mapa del Infierno

Análisis de la obra

Esta es una pintura de Sandro Botticelli,  es similar a la del libro “La divina comedia” de Dante. En primer plano está el mapa del infierno que es una copa  justo es el centro de la pintura que en la parte superior es verde  como que fuera la tierra donde Dante se encuentra perdido en una colina “en el camino medio e nuestra vida” detrás de la colina se encuentra la ciudad de Jerusalén debajo de la cual se imagina cavada la inmensa división del infierno y sigue hacia abajo como como las separaciones circulares que son nueve  correspondientes para cada pecados, basándose en el pensamiento aristotélico-tomistico, este mapa  empieza de una forma grande y termina en punta que está recubierta por una pequeña base de vidrio.

Esta obra significa la maldad del mundo y lo en el pasado se creía que tenían que sufrir para pagar sus culpas.

Esta obra tiene los pecados existentes en el mundo que hacen que nos alejemos del buen camino y también de Dios

 El Bosco

Jeroen van Aeken o Van Aken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch , 9 de agosto de 1516), fue un pintor nerlandes

Sus cuadros están protagonizados por la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo de ello son las tablas con la Pasión de Cristoa través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar del pecado universal al género humano. Su estilo cambia en los últimos años de su actividad, pintando cuadros con un menor número de figuras, pero de mayor tamaño, que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador.

Adoración de los reyes magos

Análisis de la obra.

Esta obra es del autor El Bosco se encuentra en el Museo del Prado, Madrid –España es de estilo Gótico es un  Óleo sobre

El centro de la pintura esta constituida por el  porque divide al pesebre que es la figura principal de la ciudad. Esta pintura se divide en tres partes tiene un fondo dorado que es el camino y  mayoría de vegetación del cuadro es el fondo común de las tres divisiones de la pintura . A la izquierda esta el donante. En segundo plano aparece un hombre sentado sobre una cesta y protegido bajo un precario tejadillo, seca sus ropas al fuego, se trata de José intentando secar los pañales del niño.

En la tabla central está la adoración de los Reyes Magos. Fuera de una cabaña que está muy vieja apunto e caerse precaria se sienta la Virgen, Melchor está arrodillado ante ellos, y ha puesto su regalo sobre la tierra. Gaspar sobre la esclavina que viste aparece la visita de la reina de Saba a Salomón. Al final , Baltasar, lleva en la mano un cáliz esférico. Esta pintura tiene sobras que le dan movimiento a la pintura y profundidad al fono en la parte superior de la pintura se puede observar unas viviendas grandes que son palacios.  Esta pintura es muy sencilla pero hermosa y dulce, menos es más.

Las Tentaciones de san Antonio

 Análisis de la obra.

Esta obra es de El Bosco se encuentra en el museo de Prado en Madrid España es de estilo gótico es un óleo sobre tabla en el centro de la pintura está San Antonio  sentado jorobado está cubierto de una manta de color café que esta vieja él tiene una impresión de  que esta pensativo meditando pero son los demonios que lo rodean con las tentaciones simbolizadas de muchas maneras: el cuchillo mellado, escalas, el jarro diablo, piezas de armadura, pequeños demonios-grillos a su lado izquierdo esta un cerdo acostado, el mira  un arroyo del que surgen también figuras demoníacas en un segundo plano hay una casa un poco alejada con el techo azul y en la parte superior de la pintura a lo lejos donde está el cielo celeste que tiene una vegetación alta están unas casas más altas. Esta pintura indica que las personas son débiles ante las tentaciones.

Masaccio

Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio, nació en San Giovanni el 21 de diciembre de 1401 y falleció en Roma en otoño de 1428, fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica (desarrolladas por Brunelleschi)

San Pedro cura a los enfermos con su sombra

Análisis de la obra.

Esta obra de Masaccio se encuentra en Santa María del Carmine, Florencia en Italia. Esta pintura pertenece al renacimiento es un fresco , el centro de la pintura está constituido por San Pedro, se puede visualizar colores más tenues a lado derecho y colores más fuertes al lado izquierdo.

Presenta el momento recogido en los Hechos de los Apóstoles- en el que San Pedro Sana a los tullidos con su sombra.  Sin embargo, el paramento almohadillado del palacio del primer plano recuerda al Palazzo Pitti realizado por Brunelleschi. La perspectiva resulta la gran protagonista de la composición, interesado Masaccio en trasmitir la sensación de profundidad. Las figuras gozan de una monumentalidad escultórica y de una expresividad que serán admiradas por artistas futuros como Piero della Francesca. Se han identificado algunos personajes como el hombre del turbante rojo Masolino, el anciano de barba blanca -Donatello- o el san Juan, Giovanni, el hermano del pintor, apodado "Scheggia".La pintura se representa el poder que tiene el Señor, Jesús y los discípulos ya que en la parte que ya ha pasado San Pedro se puede observar la pintura más limpia y la parte que aún no pasa no es como limpia se puede  ver que los enfermos solo están en la parte izquierda de la pintura.

La expulsión de Adán y Eva del paraíso

Análisis de la obra.

Esta obra es de Masaccio se encuentra en  Santa María del Carmine, Florencia en Italia está pintura pertenece al renacimiento es un fresco.

En la pintura en primer plano esta Adán y Eva que como se puede observar en la pintura sus rostros son sufrimiento.  Ellos dos son el eje de esta pintura  La escena está cargada de dramatismo, destacando los rostros de ambos personajes y la actitud de Adán al llevarse las manos a la cara, así como la dureza y sequedad del paisaje por donde se encaminan las figuras. Sus cuerpos desnudos están inspirados en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, interesándose por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la iluminación empleada. El fondo azulado se aleja de la capa de pan de oro que servía de cierre en los tiempos góticos

Aunque la escena está basada en el relato bíblico del Génesis, el artista se ha permitido algunas licencias más personales que dotan a la obra de dramatismo y vigorosidad, así Masaccio decide representar a Adán y Eva completamente desnudos y expulsados por un solo ángel.

La figura de Eva aparece tapándose el pecho y el sexo mientras en su rostro se aprecia un grito descarnado de dolor y agonía. Adán por su parte se lleva las manos al rostro mientras muestra su desnudez y con una profunda inspiración mete su vientre en una postura igual de agonizante. Sobre ellos un ángel amenazador vestido de rojo y con la espada en la mano custodia la entrada al paraíso. En la pintura se ve el dolor y sufrimiento de ambos al ser expulsados del paraíso por haber cometido el pecado original 

Greco

Doménikos Theotokópoulos conocido como el Greco ("el griego"), nació en Candía en 1541 y falleció en Toledo en 1614, fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores, él siempre se consideró parte de la escuela veneciana; por último,su estancia en Roma le  en su estancia en Roma le permitió conocer las obra de Miguel Ángel y el manifestó.

Anunciación

Análisis de la obra.

Esta obra es del el pintor  El Greco se encuentra en el Museo el Prado en Madri es de estilo del renacimiento, manierismo es un Óleo sobre lienzo. La pintura esta constituida por el ángel anunciando a María, y su  eje es horizontal para tener dos partes en la pintura: la primera estando María y el ángel y la segunda  estando ángeles más pequeños y la iluminación divina. El arcángel san Gabriel posa los pies en un suelo embaldosado, herencia del Renacimiento italiano. La Virgen María aparece sin sus elementos simbólicos. En la parte superior del cuadro se encuentra un gran foco de luz y al Espíritu Santo bajando en forma de paloma. La pintura es de la anunciación el Ángel diciéndole a María que va ase mare de Jesús el hijo de Dios, se pues ver el miedo de María es muy normal ya que ella estaba a punto e casarse y en ese tiempo eso no era bien visto

Cristo en la Cruz con las dos Marías y San Juan

Análisis de la obra.

Es una pintura de el Greco se encuentra en la Galería Nacional, Ateneas en Grecia es de estilo renacimiento es un Óleo sobre lienzo. La pintura está conformada en la parte superior de la cruz donde se encuentra Cristo crucificado. Existe un eje horizontal, en la parte superior Jesucristo y en la inferior la Virgen María, María Magdalena y San Juan.

Esta obra se situaba en el espacio central del retablo. La escena está estructurada a base de dos triángulos en los que se insertan las figuras. Jesús en la cruz es el eje de simetría; a su derecha se encuentran la Virgen María y a la izquierda san Juan Evangelista. Tres ángeles completan la escena recogiendo la sangre que emana de las heridas del Crucificado.
Análisis personal: 

La pintura muestra a Cristo muerto en la cruz y a sus pies a la Virgen María, María Magdalena y a San Juan sufriendo por la muerte de Jesús. Su pintura se encuentra con colores claros solo el vestuario de María se encuentra con un color oscuro.

Tintas ancestrales

Amaru Cholango

La presente obra grafía de Amaru Cholango es el resultado de un abordaje mas inmediato y gestual dentro de su  multifacética creación artística, al tiempo que recoge el legado lento de una tradición ancestral. Precisamente, nos encontramos esta vez con tintas sobre papel la mayoría abstractas y unas pocas de carácter figurativo que, por una parte, no utilizan el material usual de uso artístico y por otra, incluyen una visión y comprensión extendida y compleja de lenguaje plástico. En este sentido, Amaru retoma un instrumento de la tradición popular andina, aquellas tintas vegetales utilizadas por sus padres papa la tintura de ponchos, y lo dota de una intencionalidad plástica que incluye su experiencia y conceptualización de otras tradiciones tanto de Oriente como de Occidente.

Análisis de Obra.

Obra dela artista Amaru Chlango  2008-2013 Tintas Ancestrales . Se utiliza la técnica aguada con tinta vegetal esta pintura esta echa en papel como se puede apreciar en la obra los extremos totalmente negros está utilizando un negro puro y va jugando como un escala de grises hacia adentro donde hay partes que llaman la atención del espectador como lo que está al centro que es una línea gruesa de color café claro de la que salen más líneas horizontales y se van ramificando, en estas líneas de todos los grosores finas muy finas y gruesas  y curvas son de un tono más obscuro que el que se obtuvo mediante una aguada para que estas mismas sobresalgan como se puede ver hay partes que tienen sombra pero en esta pintura no hay tercera dimensión ni volumen. Es una pintura muy plana que transmite el sentimiento de tranquilidad.

Análisis de Obra.

Obra dela artista Amaru Cholango  2008-2013 Tintas Ancestrales . Se utiliza la técnica aguada con tinta vegetal esta pintura esta echa en papel como se puede apreciar en la obra tiene una  tuviese un perspectiva con la variación de líneas de todo tipo de grosor finas, muy finas y gruesas pero todas estas líneas son continuas dándole más movilidad a a la pintura  las líneas están de forma vertical como horizontal largas y cortas, esta obra está en una base de papel totalmente blanco y están usando el color negro puro en la parte de abajo se puede ver una especie de ave con las alas abiertas se puede ver plumas,  se mantiene de pie mirando al horizonte que se va alejando.

Análisis de Obra.

Obra dela artista Amaru Cholango  2008-2013 Tintas Ancestrales . Se utiliza la técnica aguada con tinta vegetal esta pintura esta echa en papel como se puede apreciar en la obra tiene el borde totalmente negro de un marguen muy grueso que hace que el cuadro resalte en la pintura se puede ver las líneas muy finas en un fondo amarillento claro y un fondo amarillento más oscuro que da la impresión de un suelo no fértil como que se parte con las líneas finas que se cruzan entre si  también hay partes que las líneas inician en punto o terminan en punto  y partes que están con luz y zombra que da la impresión de que estuviera a diferentes niveles este piso.